Hyper-Objects: Música Acousmática em Conexão

Alberto Tudisca, é um artista sonoro e produtor musical, começou a sua jornada artística aos 14 anos, influenciado pela bateria e jazz. O seu talento levou-o ao mundo da Música Eletrónica no Conservatório de Palermo, culminando no prestigiado "Premio Nazionale delle Arti" por sua composição "Isola". Ele expandiu os seus horizontes na Holanda, prosseguindo estudos na Academia de Produção Musical em Rotterdam e Fontys. O seu trabalho inovador em tecnologia Ambisonic destacou-o. Alberto é também um criador de instalações artísticas, como "Substantia" e "The Online Game", mostrando a sua versatilidade artística. Como fundador da Space_tial, combina paisagens sonoras, música IDM e mapeamento de vídeo. Reside atualmente em Tilburg. Explora nas suas criações temas de IA, espaço e ecologia. 

Sinopse da obra:

"Isola" é um projeto de pesquisa sonora apresentado sob a forma de uma composição de paisagem sonora. O seu propósito central é sensibilizar o ouvinte para os temas do isolamento e solidão num mundo cada vez mais interconectado. Numa era digital onde a informação e os estímulos artificiais abundam, "Isola" adentra os espaços entre eles, explorando as reações do nosso mundo interior hipnotizado, que está se tornando cada vez mais inconsciente e desconhecido. O projeto se inspira nas obras de Trevor Wishart e Horacio Vaggione e foi criado utilizando ferramentas e técnicas digitais. É uma honra mencionar que esta composição foi premiada com o prestigiado "Premio Nazionale delle Arti", um dos prémios mais importantes entre os estudantes de um conservatório italiano.

Bracha Bdil (1988) é uma compositora, maestrina e pianista israelense-britânica, reconhecida com o Prêmio do Primeiro-Ministro de Composição (Israel, 2022) e o Prêmio ACUM (2019). Sua formação inclui Bacharelado em Educação Musical pelo Levinsky College e Mestrado em Educação Musical e Composição pela Academia de Música e Dança de Jerusalém, sob orientação de Andre Hajdu e Haim Permont. Com diversos prémios internacionais, a suas obras foram apresentadas em festivais em todo o mundo, incluindo o Festival de Música Contemporânea, Puebla, México, e o Festival de Música Nova, Paraná, Brasil. Bracha é fundadora da Space_tial, criando misturas de paisagens sonoras envolventes e música eletrónica. Além da sua carreira artística, é membro da Israel Composers' League, com obras publicadas pelo Instituto de Música de Israel. Também é palestrante em diversas instituições musicais e desde 2018 é diretora artística e maestrina principal da Orquestra Feminina Zmora em Jerusalém

Sinopse da obra:

"UrbaNature". Esta obra busca expressar o ideal da vida natural e da pureza humana, contrastando com a realidade existencial urbano-tecnológica dominada pelo comercialismo e pela busca incessante por conquistas. Através de uma fusão de sons urbanos, a peça reflete sobre o impacto da vida nas grandes cidades na essência humana, destacando a desconexão entre o homem e a natureza. A narrativa sonora convida o público a refletir sobre a busca incessante por sucesso e competitividade, e a importância de reconsertar-se com a alma e o movimento orgânico da vida.

Daniel Blinkhorn é um compositor e artista de novas ‘medias’ australiano que se dedica profundamente ao som ambiental. Além do seu trabalho como professor de composição e tecnologia musical no Conservatório de Música da Universidade de Sydney, ele é ativo em diversos contextos criativos, académicos e de pesquisa. Como apaixonado gravador de campo, Daniel conduziu inúmeras expedições de gravação por locais tão diversos quanto África, Alasca, Amazónia, Austrália, Cuba, Índias Ocidentais, México, Madagáscar, Mauritania, Médio Oriente, Norte da Europa e região do alto Ártico e Polo Norte de Svalbard. O Seu talento criativo foi reconhecido com mais de 40 prémios em importantes competições internacionais de composição. Embora tenha desenvolvido as suas habilidades de forma autodidata em som ambiental, música eletroacústica e arte sonora, Daniel também possui formação formal em composição e artes criativas em diversas universidades australianas.

Sinopse da obra:

Na costa da Tanzânia, na pequena ilha de Zanzibar, deparei-me com um bazar em Stonetown, repleto de belos instrumentos africanos. Fui atraído por um pequeno kibuyu, feito à mão. Este humilde instrumento zumbia e rangia, longe da perfeição, mas ao tocar uma palheta metálica, instantaneamente soava musicalmente agradável. Kibuyu, em suaíli, traduz-se para 'Calabash' e é o ressonador em forma de caixa usado na construção do instrumento. Eu queria usar o termo como uma metáfora semelhante ao fenómeno da ressonância de conchas marinhas, exceto que, neste caso, ao segurar o kibuyu contra o ouvido, não se ouve o som do oceano, mas sim uma abstração mais dinâmica de imagens sonoras ressoando bem além do próprio instrumento e profundamente na ilha de Zanzibar e nas muitas paisagens sonoras evocativas que ela contém. Todo o material dentro da composição vem do toque de três palhetas metálicas do kibuyu, sem nenhum material sonoro adicional empregado na peça.

Daria Baiocchi é uma artista multifacetada com mestrados em piano, composição clássica e música eletrónica, além de um diploma em Literatura Clássica pela Universidade de Bolonha. As suas composições foram reconhecidas em todo o mundo, sendo premiada em festivais como a Bienal da Lituânia e o Festival de Cinema de Arte de Filadélfia. Como compositora, a suas obras foram selecionadas em numerosos eventos nacionais e internacionais, e as suas composições para videoarte foram exibidas em vários países e transmitidas pela International ART TV. Daria também é professora de Design de Som em várias instituições e diretora do Museu de Arte Sonora Online em Ascoli Piceno, além de liderar um programa de rádio dedicado à música contemporânea e ao design sonoro.

Sinopse da obra:

"Hyperloop" é uma peça de arte sonora inspirada no comboio de alta velocidade de Elon Musk. A compositora manipulou diferentes sons gravados em tubos selados e sistemas de tubos com baixa pressão de ar. A decisão de usar "glissando" como uma metáfora para velocidade cria uma atmosfera dinâmica e vertiginosa. A obra é composta por quatro partes: A-B-A'-B'. Essa organização macroestrutural permite ao ouvinte perceber a peça como um ‘loop’ infinito, refletindo a ideia de movimento contínuo e velocidade do Hyperloop.

Michael Edward Edgerton é um compositor ativo, cujas obras são apresentadas em todo o mundo. As suas composições foram premiadas internacionalmente, incluindo o importante prémio alemão, o Kompositionspreis der Landeshauptstadt Stuttgart. Ele é reconhecido por sua liderança na exploração vocal e a sua influência numa geração inteira através do seu livro "The 21st Century Voice" (Rowman & Littlefield, 2ª edição, 2015), que propõe métodos para investigar o canto dentro do contexto da ciência vocal. Michael obteve o seu doutorado em Composição pela Universidade de Illinois, onde estudou principalmente com William Brooks. Atualmente, ele é Professor de Música na Universidade de Lund/Academia de Música de Malmö, onde dirige o Programa de Pesquisa Artística em Música.

Sinopse da obra:

"Wassermann" apresenta uma extensa transformação de materiais de origem, com destaque para amostras vocais estendidas que são esticadas e distorcidas muitas vezes além do reconhecimento. O conceito da peça é inspirado na ideia de transformação contínua, como descrito por Henry Miller em "Big Sur and the Oranges of Hieronymous Bosch", enfatizando a fluidez da identidade e a transmutação constante de seres e objetos. A peça utiliza um programa que busca eficiência para evocar uma resposta, mas é sabotado para se tornar ineficiente e caótico, refletindo uma crítica à cultura pop da Califórnia do Sul. "Wassermann" construtivamente apresenta uma constelação de correspondências entre uma fonte e a sua saída, explorando associações variadas e, por vezes, não percetíveis. A voz é de Ute Wassermann.

João Pedro Oliveira ocupa o cargo de Corwin Endowed Chair em Composição na Universidade da Califórnia em Santa Barbara. Estudou órgão, composição e arquitetura em Lisboa. Concluiu o doutoramento em Música na Universidade de New York em Stony Brook. A sua música inclui composições orquestrais, música de câmara, música eletroacústica e vídeo experimental. Recebeu mais de 70 prémios internacionais pelas suas obras, incluindo o prestigiado Guggenheim Fellowship em 2023, bem como o Magisterium  de Bourges e Prémio Giga-Hertz, o 1º Prémio no concurso Metamorphoses, o 1º Prémio no concurso Música Nova. Foi professor na Universidade de Aveiro e na Universidade Federal de Minas Gerais. Publicou diversos artigos em revistas nacionais e internacionais, e escreveu um livro sobre teoria analítica da música do século XX.

Sinopse da obra:

"La Mer Émeraude" transporta o ouvinte para um pequeno mundo inventado, um microuniverso repleto de matéria, energia e movimentos telúricos. Neste cenário imaginário, existem mistérios, forças naturais e sobrenaturais, tudo envolto por um oceano vivo. A obra, composta no estúdio Musiques-Recherches, é uma ode à complexidade e beleza da natureza, dedicada a Annette Vande Gorne e Francis Dhomont. Ao longo da apresentação, o público é convidado a mergulhar neste universo sonoro único, explorando os seus mistérios e descobrindo as suas camadas de significado.

Jorge Ramos (n. 1995) é um compositor português multipremiado, intérprete de eletrónicos, artista sonoro e pesquisador baseado em Londres. Ele compôs música solo, de câmara, sinfónica, eletroacústica, para filmes, palco, instalações e publicidade, apresentando as suas obras em festivais e com orquestras em diversos continentes. Recebeu bolsas, subsídios e prémios de instituições importantes, como a Fundação Calouste Gulbenkian e a Royal College of Music London. Ramos possui formação pelo Conservatório de Música Calouste Gulbenkian de Braga, Escola Superior de Música de Lisboa e doutorado em Composição Musical pela Royal College of Music London. Atualmente, ele colabora em projetos de pesquisa de música contemporânea e orquestração.

Sinopse da obra:

Nesta composição, o compositor reflete sobre a natureza do som e a sua relação com o ambiente ao seu redor. Inspirado pelo conceito de vínculo de fontes de Dennis Smalley, ele explora a perceção auditiva e redefine a maneira como entendemos e ouvimos o som. A peça Paysage é uma expressão dessa reflexão, uma paisagem sonora que surge do processamento dos sons do quotidiano durante um período de confinamento. Este trabalho convida o público a contemplar a música que está sempre presente ao nosso redor, mesmo nos momentos mais simples da vida diária. Menção Honrosa no Concurso Internacional de Composição Eletroacústica do Festival Música Viva 2021, organizado pela Miso Music Portugal

Artiom Constantinov é um compositor e designer de som baseado na Itália. Trabalhando principalmente com sons de glitch, síntese e deterioração sonora nas suas composições, seu trabalho mais recente 'Information Disorder' explora diferentes técnicas para gerar e manipular som através do Pure Data. Além disso, atua como gravador de som em locação, designer de som e compositor para filmes, documentários e outros meios. Ele possui um mestrado em Design de Som pelo Conservatório de Bolonha e uma graduação em Música Eletrónica pelo Conservatório de Vicenza.

Sinopse da obra:

Information Disorder é uma composição que aborda como percebemos informações na era digital e a quantidade de informações que precisamos filtrar para entender o que é verdadeiro ou falso. É também um trabalho sobre a desconstrução e deterioração do som como ferramenta composicional.

Cláudio de Pina (n. 1977) é um artista sonoro, improvisador, organista e compositor. É organista titular do órgão histórico na Paróquia da Ajuda (Lisboa) e pesquisador no GIMC (CESEM). Possui um DAS em música contemporânea para órgão e um mestrado distinguido com o Roll de Honra do Reitor em 2018. Atualmente é candidato a doutorado e bolsista da FCT no mesmo campo (ESML/FCSH). Estudou no Instituto Gregoriano de Lisboa, Hot Jazz Club e Engenharia Física (FCUL). Realizou estudos complementares com renomados artistas como Adrian Moore, Åke Parmerud, Annette Vande Gorne, Barry Truax, Gilles Gobeil, Hans Tutschku e Trevor Wishart. As suas obras foram estreadas em todo o mundo em diversos festivais e projetos, e as suas obras acusmáticas foram publicadas em coletâneas renomadas. Lançou dois álbuns independentes, "Asteroeidēs" e "Palimpsestus", e em 2022 lançou "Avant-garde Organ", financiado pela Fundação GDA e publicado pela 9musas.

Sinopse da obra:

"Ceci n’est pas une..." é uma peça acusmática feita apenas com os sons de fumar cachimbo, parte de um ciclo inspirado em pintores famosos. Referindo-se à obra de René Magritte, a peça explora a distinção entre som e objeto, levando os ouvintes a refletir sobre a paralinguagem da imagem. Os sons evocam o ato de fumar, ampliando a experiência sensorial. Esta composição foi apresentada durante uma masterclass internacional de composição eletroacústica em Lisboa Incomum.

Manuella Blackburn doutorada em composição de música eletroacústica em 2010, sob a supervisão do Professor Ricardo Climent na Universidade de Manchester. Desde então, leciona na Universidade de Liverpool Hope e, a partir de 2019, na Universidade de Keele. Com mais de 15 anos de experiência, Manuella criou uma ampla gama de obras de música eletroacústica, incluindo música para instrumentos e eletrónicos, instalações sonoras, dança e cinema. A sua especialidade é a música fixa para meios eletrónicos, publicada pelo selo Empreintes DIGITALes, com um enfoque em métodos de composição baseados em imagens. As suas obras foram apresentadas em mais de 250 performances em todo o mundo, em locais notáveis como Alfortville, Atenas, Bangor, Birmingham, Bruxelas, Calgary, Glasgow, Helsinki, Huddersfield, Leicester, Linz, Lisboa, Liverpool, Ljubljana, Londres, Lyon, Macclesfield, Madri, Manchester, Melinka, Montreal, Nova York, Orford, Oslo, Rio de Janeiro, Santiago, Seul, Sheffield, Sofia, Trebel, Troy, Udine, Utrecht, Valdivia, Viena, Villeneuve d’Ascq, Visby e Vitória.

Sinopse da obra:

A composição é dominada por interrupções, atuando como pausas, paradas abruptas, momentos cortados e suspiros contidos. Esses momentos representam as muitas interrupções experimentadas na minha vida diária, no trabalho, nas atividades e na composição. As interrupções são estados temporais onde a continuidade é interrompida, mas depois retomada ou retornada após o evento interruptivo. Nesta obra, as interrupções são posicionadas como o evento principal; atuando como pontos focais e instâncias para explorar o potencial criativo dessas ocorrências tipicamente indesejadas. Há muitos tipos de interrupções construídas ao longo da composição, mostrando os diferentes resultados entre interrupções bem-sucedidas versus mal-sucedidas, aquelas que formam transições para aquelas que ameaçam e rompem forçadamente a presença contínua do som. Essa experimentação criativa com muitas interrupções é ambientada no contexto da vida doméstica e dos sons do lar, imitando as interrupções ao fluxo e estando em casa por longos períodos e tudo o que isso implica.

Mauro Diciocia trabalha no campo da música eletroacústica, combinando sons e técnicas da tradição da música concrète/tape music com uma abordagem moderna à música de ruído e composição de paisagens sonoras. A sua estética sonora é um objeto em movimento perpétuo, onde o elemento constante é representado pelo uso orgânico de gravações de campo e material encontrado, manipulados em fitas magnéticas e processadores digitais. Ele realizou extensas apresentações na Europa e lançou as suas obras em vários selos em CD, LP e edições limitadas de cassetes. As suas composições mais recentes foram apresentadas em festivais académicos, como Dissonanzen, ArteScienza e CIM. Ele foi artista residente no EMS em Estocolmo, onde compôs uma obra quadrafônica focada na interação entre o sistema de sintetizador Buchla 200 e processos de manipulação digital. Em 2021, ele curou a trilha sonora e o design de som para o filme "Lotta di classe" de Demetrio Giacomelli, e em 2022 colaborou com artistas visuais em instalações ambientais. Diciocia é cofundador e curador da Aaltra, um hub cultural em Lecce dedicado a linguagens sonoras aventureiras, e colabora como performer acusmático com o Acousmonium M.ar.e. Ele também é técnico de áudio e gerente de conteúdo multimédia no KORA - Centro de Artes Contemporâneas, em Lecce.

Sinopse da obra:

"Eterotopia #2410" é o primeiro de uma série de estudos sonoros que abordam a noção de heterotopia de Michel Foucault. Esses espaços tangíveis emergem concomitantemente com o estabelecimento fundamental da sociedade e funcionam como contra-sítios, representando uma forma de utopia enraizada onde os locais genuínos sofrem representação, contestação e inversão simultâneas. Apesar das suas localizações plausíveis no mundo real, esses espaços existem como entidades distintas dos locais que refletem e discutem, sendo designados como heterotopias, em contraste com construtos utópicos. Heterotopias são distinguidas por sua capacidade única de misturar, num único reino tangível, uma multiplicidade de espaços e locais intrinsecamente incongruentes entre si. Dentro deste contexto, os reinos da nossa perceção primordial, os nossos sonhos e as nossas paixões encapsulam qualidades intrínsecas, abrangendo um amplo espectro de características luminosas e etéreas, bem como sombrias e encobertas.

Kokoras é um compositor e inovador em música computacional premiado internacionalmente, atualmente Professor de composição e diretor do CEMI (Centro de Música Experimental e Intermedia) na Universidade do Norte do Texas. Natural da Grécia, ele recebeu treino formal em violão clássico e composição em Atenas e, posteriormente, em York, Inglaterra. As suas composições sonoras utilizam o som como única unidade estrutural, buscando uma "textura musical holofônica" onde cada som independente contribui igualmente para a síntese total. Kokoras recebeu reconhecimento significativo por suas obras, com encomendas e bolsas de instituições e festivais ao redor do mundo. Ele também é membro fundador da Associação de Compositores de Música Eletroacústica Helênica e ocupa atualmente o cargo de Secretário da Confederação Internacional de Música Eletroacústica.

Sinopse da obra:

"AI Phantasy" foi composta no estúdio multicanal GRIS, na Universidade de Montreal, em Quebec, Canadá; na cúpula sonora do teatro MEIT, no Centro de Música Experimental e Intermedia, Universidade do Norte do Texas, e no meu estúdio doméstico. Um dos principais mecanismos de produção de som na peça é um aspirador de pó. Prêmio, Fórum Ars Electronica Wallis 2021, Leuk (Suíça) e Prêmio, Prêmios e Menções, Akousmatique 2022, Montreal (Quebec).

Paul A. Oehlers é conhecido por suas composições "extraordinariamente evocativas" para trilhas sonoras de filmes. Os seus trabalhos já foram exibidos em festivais de renome, como o Festival Internacional de Cinema de Berlim, o Festival de Cinema da Filadélfia, o Festival de Cinema Indiefest de Chicago e o Festival Internacional de Cinema de Hamptons, onde o filme "Most High", com sua trilha sonora, recebeu o Golden Starfish, o maior prêmio de cinema independente dos Estados Unidos. As suas composições também foram apresentadas em eventos nos Estados Unidos e no exterior, incluindo conferências e festivais de música eletroacústica. Paul Oehlers é atualmente Coordenador de Programa e Professor Assistente de Tecnologia de Áudio na American University em Washington, DC.

Sinopse da obra:

"Martelo de Fluxo" é uma obra que mergulha nas possibilidades sonoras do piano de uma forma inovadora e experimental. Utilizando-se de cordas de piano fisicamente alteradas, o compositor nos leva a uma viagem por uma paisagem sonora única, onde os sons familiares do piano são transformados e reinventados. Ao preparar acusticamente as amostras de origem e manipulá-las com técnicas como convolução, filtragem de ressonância e síntese granular, a peça cria uma atmosfera envolvente e evocativa. O resultado é uma composição que desafia as expectativas tradicionais e nos convida a explorar novos horizontes sonoros.

Yunjie Zhang (nascido em 2004) é um compositor chinês, atualmente no segundo ano de bacharelado no Conservatório de Música de Zhejiang, com especialização em composição e produção musical eletroacústica. Ele frequentou cursos ministrados por Leigh Landy, Zhaogu Wang e Chengbi AN, com foco em obras que incluem media fixa, instrumental contemporânea e vários géneros de música popular. A suas obras destacam-se por expressar a combinação de elementos naturais e poéticos. A sua obra acusmática conquistou o terceiro lugar no concurso internacional MUSICACOUSTICA-2023 e foi apresentada em diversos países, incluindo Suíça e China.

Sinopse da obra:

"Le Caméléon" é um animal com a habilidade de mudar a cor do seu corpo. Habita principalmente as florestas tropicais africanas, e a sua língua extremamente rápida pode dar um golpe fatal na sua presa. Inspirada por um encontro fascinante com um camaleão na vida real, esta obra explora as características e metáforas do camaleão, reimaginando-as através da linguagem do som puro em cenas dramáticas: um predador feroz, a capacidade de atravessar rios, reações atrasadas e habilidades de mudança de cor. O camaleão metafórico é frequentemente um impostor belo, porém perigoso, envolto em mistério, pronto para atacar ferozmente quando menos se espera.